Un día como hoy, hace 100 años nació Rita Hayworth

por Admin el 15 Octubre, 2018

en Biografías

Por Joe Sommerlad – En la novela de Stephen King, Rita Hayworth y Shawshank Redemption, el preso Andy Dufresne excava poco a poco un túnel de escape a través de la pared de su celda, cubriendo su obra noche tras noche bajo un afiche del icono epónimo de Hollywood que fue infresado al penal por un amigo.

La historia, parte de la colección Different Seasons (1982), se estrenó en 1947 y el punto de la trama captura perfectamente el hechizo de la "Diosa del Amor " para la imaginación pública en ese momento en particular, su aparición como una "femme fatale" en Gilda (1946) posiblemente su papel decisivo en la película de los años cuarenta.

Hayworth nacida hace 100 años esta semana -fue una de las favoritas entre los solitarios soldados estadounidenses que luchaban en el extranjero durante la Segunda Guerra mundial.

En particular una fotografía publicitaria  de ella arrodillada en una cama con un negligé de encaje tomada en 1941 por la revista Life, se encontraba en muchos barracones y paredes junto a literas por toda Europa y el Pacífico -recordándole a los soldados como Andy Dufrense los mejores días en casa y la promesa de un futuro mejor.

Su sonrisa radiante, su pelo castaño y sus deslumbrantes ojos oscuros color carbón eran una parte tan grande del mundo de los soldados que incluso grabaron otra imagen de ella, arrancada de Esquire, en la bomba atómica lanzada en el atolón de Bikini en las islas Marshall el 1º de julio de 1946. Nunca el adjetivo "la sensacional" fue tan apropiado.

Pero ella siempre fue mucho más que un símbolo sexual, que etiqueta reductiva totalmente incapaz de transmitir la extrañamente sana sensualidad y la inteligencia irónica que trajo a la pantalla de cine. A pesar de su impactante belleza, siempre tuvo una cualidad accesible, su evidente sentido de la diversión.

A pesar de su fama de mediados de siglo, la estrella es a menudo considerada hoy como una figura trágica, más recordada por su cadena de matrimonios fallidos, su abrupto declive profesional en la década de 1960, su triste muerte a causa de la enfermedad de Alzheimer y por quedar irremediablemente encasillada por el papel de Gilda.

"Cada hombre que conocí se fue a la cama con Gilda y se despertó conmigo", se lamentó.

En el soberbio cine noir de Charles Vidor, Gilda es una sirena que dibuja los ojos de cada desventurado jugador que encuentra en la sala de juego de Buenos Aires operada por su marido, Ballin Mundsun (George Macready).

Se encuentra en el centro de un complejo triángulo amoroso cuando el busca-vidas estadounidense, Johnny Farrell (Glenn Ford), llega a la ciudad y toma un trabajo supervisando las mesas de ruleta del casino.

Mundsun, un falso aristócrata con un cuchillo cargado con un resorte en el extremo de su bastón, parece tener un placer masoquista por el espectáculo de su esposa agitando las lujurias de los extraños, más que tolerar sus evidentes mentiras acerca de dónde desaparece en la noche.

Johnny, aparentemente ferozmente leal a su sombrío empleador, declara su desaprobación de Gilda: "la odiaba porque no podía sacarla de mi mente ni por un sólo minuto.”

"El odio es una emoción muy excitante. ¿No te has dado cuenta? Muy emocionante. Yo también te odio, Johnny. Te odio tanto que me destruiría a mí misma para llevarte conmigo", ella le dice a él.

Es una cosa chisporroteante, la atmósfera a lo largo de todo es tan sofocante como una tarde balsámica en un paseo marítimo.

La introducción de Hayworth cantando la canción de la antorcha "Put the Blame on Mame" – es en sí misma una advertencia para los disturbios – es una entrada tan llamativa como nunca se ha hecho y proporcionaría la inspiración para Jessica Rabbit en la obra ¿Who Framed Roger Rabbit?? (1987).

"Decente? ¿Yo?" ella se ríe, tirando su pelo hacia atrás, una escena que proporciona aplausos cuando Gilda es mostrada a los presos en la adaptación de Frank Darabont de 1994 en la película "The Shawshank Redemption".

Nadie podía esperar estar a la altura de tal parte y Rita Hayworth, aunque justamente orgullosa de su actuación, se exasperaría por estar tan ineludiblemente asociada a ella y ver que el resto del grueso de su trabajo es pasado por alto como resultado.

Nacida como Margarita Carmen Cansino en Brooklyn el 17 de octubre de 1918, era la hija de Eduardo Cansino, un bailarín español profesional, y Volga Hayworth, una corista irlandesa-estadounidense que había actuado en Broadway con los Ziegfeld Follies.

Bailando desde temprana edad, fue descubierta por Warner Brothers a los ocho años de edad e invitada a aparecer en el cortometraje La Fiesta en 1926. La familia se trasladó rápidamente a Hollywood, donde su padre abrió su propio estudio y enseñó a estrellas como James Cagney y Jean Harlow cómo bailar el flamenco.

Expulsada de la escuela secundaria a los 12 años se puso a recorrer los clubes nocturnos de Tijuana, México, como la pareja de su padre en los Caninos danzantes, la joven fue una niña tímida y conoció sólo una vida de ensayos estrictos y disciplina en la búsqueda de la perfección.

Después de ser descubierta por el ejecutivo de Fox William Sheehan a los 16 años, se le entregó un contrato y bailó en el Inferno del Dante de Spencer Tracey (1935).

Cuando el magnate Darryl F. Zanuck la dejó, Eduardo Cansino contrató al vendedor de autos de los Ángeles Edward Judson para conducir a su hija. Judson, de 40 años, se casó con Rita, de 18, y logró que la contraten en Columbia, pero no sin, ofrecer favores sexuales en nombre de su joven esposa al cruel controlador jefe de estudio Harry Cohn.

Poco a poco, trabajando en su camino hacia la cúspide, las primeras referencias exitosas de su carrera fue el papel de vampiro en "Only Angels Have Wings" (1939) con Cary Grant y Jean Arthur para Howard Hawks y un papel secundario en "Angels over Broadway" (1940), una comedia-drama excéntrica de la pluma del periodista Ben Hecht.

Ella levantó olas como la segunda protagonista femenina en el musical de Raoul Walsh "Naughty Nineties" del período the Strawberry Blonde (1941) frente a Cagney y Olivia de Havilland antes de establecer su imagen en piedra en la corrida melodramática Sangre y Arena (1941), un remake de una película de toreros de la era muda protagonizada por Tyrone Power y Anthony Quinn.

Carole Landis había rechazado el papel de Doña Sol des Muire porque se había negado a teñirse el pelo de rojo a petición del director Rouben Mamoulian, que quería aprovechar al máximo la fotografía en Technicolor.

Hayworth no tuvo ningún tipo de objeciones y resultó ideal en el papel debido a su experiencia en el tango. Como dijo el coreógrafo Hermes Pan: "cuando llegó Rita era dinamita. No podías creer la emoción cuando vimos los ajetreos.”

Habiendo sido acreditada en pantalla como Rita Cansino hasta los "Criminals of the Air" de 1937, ahora era la Rita Hayworth del mito.

Mientras que la pérdida de su melena oscura española, la elevación de su línea del cabello a través de una dolorosa electrólisis y la anglicanización de su nombre podría parecer preocupante desde un punto de vista del siglo 21, estrellas latinas como Dolores del Rio, Lupe Velez y Linda Darnell prosperaron en la edad de oro de Hollywood y tales transformaciones fueron rutinarias.

Luego llegó un refuerzo de los musicales de Fred Astaire – "You’ll Never Get Rich" (1941) y "You Were Never Lovelier" (1942) – en el que la pareja estaban perfectamente adaptados y en la que ella se da una oportunidad para mostrar su talento. Astaire una vez incluso la declaró su pareja favorita, un elogio extraordinario dado su largo y celebrado emparejamiento con Ginger Rogers.

Cover Girl (1944), otro musical de lujo, esta vez junto a Gene Kelly con Canciones de Jerome Kern e Ira Gershwin, fue un éxito y figuran entre sus logros más reconocidos. Esa película fue dirigida por Vidor, quien previó el oscuro de potencial su atractivo con un solo ojo en un nuevo guión que había aparecido en su escritorio sobre los apostadores expatriados en Argentina.

Hayworth interpretó otros papeles memorables después de Gilda -notablemente otro musical, Down to Earth (1947), cuyo éxito le dio un grado de autonomía no disponible previamente y le permitió fundar su propia compañía de producción e incluso prohibir a la influyente columnista de Hollywood Hedda Hopper y Louela Parsons de sus sets.

Luego interpretó a otra mujer fatal, Elsa Bannister, en "The Lady from Shanghai" (1947) de su segundo esposo Orson Welles, un thriller exótico, turbio y misántropo hecho cuando su matrimonio se estaba desmoronando. Ahora considerado un clásico, dejó al público perplejo en ese momento.

La relación de Welles Hayworth  -llamada "la Belleza y el Cerebro" por los periódicos – había estado bajo tensión desde el principio debido a los celos de Cohn, un hombre que Welles consideraba "ser un monstruo".

Como explica Clinton Heylin en su libro "Despite The System: Orson Welles Versus Hollywood Studios" (2005), Columbia había esperado emular la ardiente química marido y mujer que Humphrey Bogart y Lauren Bacall había exhibido en "the Big Sleep" en 1946, pero en cambio, " Welles retrató a su propia diosa de la pantalla como una perra mentirosa que merecía morir.”

Poco después de esta infeliz experiencia dejó Hollywood, rechazando las oberturas de Aristóteles Onassis y el Sha de Irán para casarse con el promiscuo playboy Príncipe Aly Khan, hijo del Aga Khan, una unión calificada como "ilícita" por el Papa Juan XXIII.

Su boda en la Riviera francesa, como se relata en el libro de Anne Edwards "el Trono de Oro" (1995), los vio con el agazajo de Yves Montand, con 600 botellas de champán, 50 kilos de caviar consumido, la torta cortada con una antigua espada de cristal y una piscina descubierta llena hasta el borde con Agua de Colonia.

Welles, poco imparcial, lo llamó "un matrimonio fatal, lo peor que le pudo haber pasado. Era encantador, atractivo, un buen hombre… pero el marido equivocado para ella.”

Se demostró que tenía razón, Hayworth se divorció una vez más, regresó a Los Ángeles para proyectos como Affair en Trinidad (1952), Salomé, Miss Sadie Thompson (ambas en 1953), Pal Joey (1957) y Separate Tables (1958), pero, en verdad, su momento había pasado.

Las desavenencias de sus últimos años, agravada por dos maridos muy abusivos, proporciona una indicación de lo difícil que fue – y sigue siendo- ser una mujer madura en una industria superficial y dominada por los hombres.

Décadas antes de los abusos de Harvey Weinstein y el rastreo del movimiento #MeToo, Rita Hayworth sabía todo sobre el derecho de los hombres manipuladores.

"Me han pasado de mano en mano. He tenido que someterme a cosas que los jóvenes estadounidenses no podían concebir en sus peores pesadillas. He vivido entre las ruinas. Ejércitos han marchado sobre mí", dice su personaje, sorprendentemente y francamente, en Fire Down Below (1957) y la actriz sin duda lo dijo en serio.

En el amargo final, la dignidad con la que ella se condujo durante su lucha difícil con la enfermedad de Alzheimer – una enfermedad entonces poco entendida – ganó a sus nuevos admiradores.

Como el Presidente Ronald Reagan (él mismo una víctima de la enfermedad) escribió sobre la noticia de su muerte el 14 de Mayo de 1987: "Su valentía y franqueza, y la de su familia, fueron un gran servicio público en traer la atención mundial debido a una enfermedad que todos esperamos pronto estará curada.”

A pesar de las muchas penurias en su vida privada, Rita Hayworth podía hacer corazón del conocimiento que su carisma extraordinario llevó alegría a millones y que ha sido capturado para la posteridad en celuloide, su vida, papel más famoso, es solo suficiente como para concederle la verdadera inmortalidad.

Nunca hubo una mujer como Gilda.

The Independent: Rita Hayworth at 100: The Hollywood star trapped by her greatest role

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